Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, Op.25
Chausson fue un compositor francés cuya prometedora carrera se vio truncada por su temprana muerte a la edad de 44 años. Después de completar su estudio de derecho, fue a estudiar composición en el Conservatorio de París con Massenet y Franck. Trabajó en la Société Nationale de Musique, una organización que promueve la música francesa, hasta su muerte.
Su producción de composición fue pequeña, pero significativa. Una de las obras que destacan es el Poème para violín y orquesta. Este trabajo de un solo movimiento fue publicado en 1896, a pedido del violinista belga Eugène Ysaÿe. Está basado en La canción del amor triunfante ( Le Chant de l'amour triomphant ) del novelista ruso Ivan Turgenev, que cuenta la historia de dos jóvenes que se enamoraron de la misma mujer.
La pieza comienza en un estado de ánimo oscuro y sombrío, y el violín entra con una declaración íntima de cadencia. La música pronto se vuelve más apasionada, y la parte del violín se convierte en una muestra emocional de melodías líricas y pasajes virtuosos. El violinista Vincent P. Skowronski dio el siguiente consejo a los violinistas que intentan realizar esta pieza:
“Poème es una experiencia de juego larga, difícil y sensualmente apasionante, por lo que debes ahorrar tanta energía como puedas. Pero, gaste tanta energía como pueda manejar su paleta caleidoscópica porque rara vez tiene la oportunidad de girar libremente con cantidades tan copiosas de esplendor violinista ”.
Vadim Repin interpreta Poème de Chausson
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - La alondra ascendente
The Lark Ascending (1881) es un poema de George Meridith, que cuenta la historia de una alondra cantando una canción celestial. Inspiró a Vaughan Williams a componer una pieza musical del mismo nombre para violín y piano en 1914, y más tarde la rescató para violín y orquesta en 1920. Esta pieza fue dedicada a la violinista británica Marie Hall, quien estrenó ambas versiones. Desde entonces se ha convertido en una pieza popular, especialmente en Gran Bretaña, donde se realiza regularmente.
El compositor citó las líneas del poema en el volante de su partitura. La música es muy sugerente y mostró rasgos de impresionismo. El uso de escalas pentatónicas, modos y ritmos de flujo libre crean una atmósfera fuertemente asociada al paisaje inglés. Compuesta en la época de la Primera Guerra Mundial, la serenidad de la música contradecía la situación en ese momento. Esta pieza se había convertido en una representación del estilo inglés en un momento en que el país intentaba establecer una identidad nacional.
Janine Jansen interpreta The Lark Ascending de Vaughan Williams
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, Op.40
El Danse Macabre, también conocido como la Danza de la Muerte, fue originalmente una canción de arte para voz y piano basada en el texto de Henri Cazalis. En 1874, Saint-Saëns lo convirtió en un poema de tono para orquesta con una destacada parte de violín solista, generalmente interpretada por el maestro de conciertos.
La música comienza con doce notas repetidas del arpa, lo que indica que el reloj ha dado la medianoche. El violín solista luego entra con el tritono, a menudo conocido como el diablo en la música, con las cuerdas abiertas en las que la cuerda E se ha afinado a mi bemol ( scordatura ). Los enigmáticos temas de danza se transmitían a diferentes secciones de instrumentos, con una intensidad y energía cada vez mayores. Una cita de Dies Irae, un réquiem que generalmente se escucha en un funeral, se puede escuchar en el medio de la pieza. Hacia el final, la pieza cambia abruptamente con un motivo de oboe que se asemeja al cuervo de un gallo y seguido de una melodía tranquila en clave principal interpretada por el violín solista, lo que sugiere que amanece.
Saint-Saëns - Danse Macabre, Op 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - Serenata después del Simposio de Platón
La Serenata de Bernstein después del Simposio de Platón fue compuesta para violín solo, cuerdas, arpa y percusión en 1954. Puede considerarse como un concierto de cinco movimientos para el violín. El Simposio es un texto filosófico de Platón, que representa un diálogo ficticio de un grupo de hombres notables sobre el tema del amor. Bernstein nombró cada sección de su música a un orador del simposio.
La Fundación Koussevitzky encargó este trabajo, y Bernstein dirigió el estreno en 1954 con Isaac Stern como solista. Es increíblemente desafiante tanto para el violinista como para la orquesta debido a su metro que cambia con frecuencia y su patrón rítmico impredecible. La meticulosidad de Bernstein se puede ver a lo largo de la partitura, en lo que se considera una de sus mejores obras de sala de conciertos.
Bernstein escribió el siguiente comentario sobre su Serenata:
I. Fedro — Pausanias (Lento — Allegro): Fedro abre el simposio con una oración lírica en alabanza a Eros, el dios del amor. (Fugato, comenzado por el violín solista). Pausanias continúa describiendo la dualidad de amante y amado. Esto se expresa en un sonata-allegro clásico, basado en el material del fugato de apertura.
II Aristófanes (Allegretto): Aristófanes no desempeña el papel de payaso en este diálogo, sino el de narrador antes de acostarse, invocando la mitología del amor de cuento de hadas.
III. Erixymachus (Presto): el médico habla de la armonía corporal como un modelo científico para el funcionamiento de los patrones de amor. Este es un scherzo fugato extremadamente corto, nacido de una mezcla de misterio y humor.
IV. Agathon (Adagio): Quizás el discurso más conmovedor del diálogo, el panegírico de Agathon abarca todos los aspectos de los poderes, los encantos y las funciones del amor. Este movimiento es una canción simple de tres partes.
V. Sócrates — Alcibíades (Molto tenuto — Allegro molto vivace): Sócrates describe su visita al vidente Diotima, citando su discurso sobre la demonología del amor. Esta es una introducción lenta de mayor peso que cualquiera de los movimientos anteriores y sirve como una repetición altamente desarrollada de la sección media del movimiento Agathon, lo que sugiere una forma de sonata oculta. La famosa interrupción de Alcibíades y su banda de juerguistas borrachos marca el comienzo del Allegro, que es un rondo extendido que varía en espíritu desde la agitación hasta la música de baile jiglike hasta la celebración alegre. Si hay un toque de jazz en la celebración, espero que no se tome como una anacrónica música de fiesta griega, sino más bien la expresión natural de un compositor estadounidense contemporáneo imbuido del espíritu de esa cena eterna.
"Las obras de arte hacen reglas; las reglas no hacen obras de arte". - Claude Debussy
