Quizás el chiste musical más antiguo de todos es la historia del turista en Nueva York que le preguntó al taxista cómo llegar al Carnegie Hall.
La respuesta (para aquellos que aún no lo han escuchado) fue "¡Practica, practica, practica!" Buena respuesta, considerando la idea de que el dominio de cualquier habilidad compleja generalmente toma alrededor de 10, 000 horas, ¡eso equivale a 5 años de 40 horas semanales de trabajo!
Pero la verdad es que en realidad no son 10, 000 horas, como el Código del Pirata, esa cifra de 10, 000 horas es "más una guía". Practique de manera más inteligente y mejorará más rápido. Aquí hay algunos consejos simples para hacer precisamente eso.
Consejo uno: ¡Practica por una razón!
Y tampoco alguna razón general cojo. Desea lograr algo específico cuando practica. Vamos a desglosarlo. Hay tres tipos de cosas que los músicos practican:
1) Práctica técnica. Aprenden habilidades físicas, desarrollan acondicionamiento físico específico, como el 'labio' de un músico de metales o la fuerza de los dedos de un guitarrista, o aprenden materiales musicales como escalas, arpegios y similares.
2) Practica para resolver problemas. Esto significa tocar las partes duras de una pieza, las que todavía no suenan como quieres.
3) Practica para la continuidad. Esto significa aprender a tocar o cantar a través de la música que pretendes tocar sin detenerte ni dudar. Es el tipo de práctica que más se parece a realizar, y es importante. Desafortunadamente, es el único tipo de práctica que algunos de nosotros hacemos, "desafortunadamente", porque solo hacer un tipo de práctica no es una buena manera de mejorar rápidamente.
Veamos cómo funciona esta forma de ver la práctica. Aquí hay tres situaciones comunes. ¿Puede hacer coincidir cada situación con el tipo de práctica requerida?
- A) Un estudiante de banda debe aprender seis escalas principales, con sus arpegios, para el próximo "pase". (Prueba de juego)
- B) Una banda de garage debe aprender tres nuevas canciones que su cantante ha escrito para su próximo concierto. Han practicado todas las partes separadas durante la escritura y la organización de las sesiones que han hecho en grupo. Solo tienen que pulir las canciones para el concierto. mostrar para que suenen muy, muy bien.
- C) Un estudiante universitario de música se está preparando para la competencia de conciertos de la Escuela de Música, que a modo de premio ofrece una actuación como solista con la orquesta de la Escuela y una beca de $ 500. Pero hay una sección en las medidas 33-37 que siempre parece sonar desafinada, desactualizada o ambas.
Si tú dijiste:
A) - Práctica técnica; B) —Práctica para la continuidad; y C) —Práctica para resolver problemas, entonces tienes la idea. Si no es así, he aquí por qué se descompone de esa manera.
En A), el alumno intenta absorber las escalas y los arpegios. (Su maestro espera que estén lo suficientemente bien absortos como para que el juego del alumno mejore en general). Esto es aprender materiales musicales, así como los patrones de movimiento físico que los acompañan, para que los patrones musicales y físicos puedan usarse libremente y con confianza en situaciones de rendimiento. Esa es la práctica técnica.
En B), la banda está tratando de aprender a interpretar sus canciones sin problemas y con confianza. Quieren patear traseros, ¡no solo tropezar! Ya han descubierto los detalles; intentan juntar las piezas de la manera más convincente posible. Están practicando para la continuidad.
También están tratando de construir su propia confianza en su capacidad de "superar" la pieza, por lo que, en cierto sentido, están tratando de probarse algo a sí mismos. Desafortunadamente, algunos músicos se obsesionan con esta parte. Están tan ocupados demostrando que están listos que descuidan la resolución de problemas que necesitan hacer para estar realmente listos.
En C), la estudiante conoce la pieza, pero está tratando de descubrir un punto problemático: ¿por qué tiene las dificultades que tiene y qué puede hacer al respecto? Obviamente, eso es practicar para resolver problemas específicos.
Este tipo de práctica a menudo se evita, a veces incluso por aquellos que piensan que lo están haciendo, pero que realmente están haciendo algo que se parece más a la práctica de continuidad. Tal vez sea porque la verdadera resolución de problemas requiere paciencia con uno mismo y el coraje de admitir que hay un problema en primer lugar. Pero también es lo más divertido, en cierto modo, porque el desafío de descubrir algo puede ser un poco como un juego o un rompecabezas. Para algunas personas, este tipo de práctica puede ser casi adictivo.
Sin embargo, en cada uno de los casos, hay una razón para la práctica: el músico o el grupo está tratando de hacer algo específico. Y lo harán más rápido, en promedio, si mantienen su objetivo en mente. Entonces:
¡Ten un propósito!
Consejo dos: ¡Concéntrate, al menos tanto como lo necesites!
Cada uno de los tres tipos de práctica requiere concentración:
- Si está practicando para la continuidad, desea asegurarse de mantener una imagen mental sólida de la pieza y de dónde se encuentra;
- Si está practicando para resolver problemas, realmente necesita escuchar el sonido que está haciendo y compararlo con el sonido que desea hacer, y realmente necesita pensar en cómo hacer que los dos coincidan mejor ;
- Y si está practicando ejercicios técnicos, debe concentrarse lo suficiente como para asegurarse de que los está haciendo bien; de lo contrario, está desarrollando malos hábitos que lo detendrán y que incluso pueden provocar lesiones físicas. Sin embargo, la cantidad de concentración que requiere puede variar. Si está haciendo un ejercicio de acondicionamiento que ha hecho cientos de veces, no tomará tanto como un ejercicio destinado a ayudarlo a desarrollar una técnica de juego que sea completamente nueva para usted. Conozco personas que han practicado escalas mientras miran televisión.
Usa tu propio sentido común, pero:
¡Concentrado!
Consejo tres: ¡Disminuya la velocidad!
Esto es principalmente un consejo para resolver problemas. Cuando está solucionando un problema en una pieza o un estudio, está tratando de aprender a controlar el punto problemático. La mejor manera de obtener el control es disminuir la velocidad: hacer que casi cualquier movimiento físico sea lo suficientemente lento, y casi cualquier persona puede hacerlo. Hazlo lentamente, luego un poco más rápido y repite el proceso. Si te quedas con él, con el tiempo lo estarás quemando.
Casi escribo " y pronto lo estarás quemando", pero eso no es necesariamente cierto. Recuerdo momentos en los que parecía que había estado practicando algo durante lo que pareció una eternidad, meses, incluso años, y con pocas mejoras que mostrar.
Y recuerdo haber renunciado a algunas cosas, pensando que debía haber algo malo conmigo cuando se trataba de aprender eso. Pero ahora creo que simplemente no persistí lo suficiente. En los casos en que persistí, mejoré. Mucho, mucho mejor, de hecho. Tú también lo harás.
Otro consejo adicional aquí: ralentiza el tempo para todo el punto problemático, pero mantén ese tempo constante. Puede ser tonto sostener una nota larga en medio de un punto problemático, pero si siempre lo haces, tu sentido del ritmo te lo agradecerá. Usar un metrónomo para mantener ese ritmo lento honesto puede ayudar con esto. Además, de esa manera puede aumentar gradualmente el tempo en el metrónomo y podrá decir mejor que realmente está mejorando. Entonces no te desanimarás tan rápido.
¡Disminuya la velocidad!
Consejo cuatro: ¡cámbialo!
Un compañero de Consejo Tres. ¡Otra buena forma de controlar un punto problemático es cambiarlo! La forma más simple es acortarlo: intente practicar solo algunas notas de un poco difícil, tal vez "repitiéndolas" una y otra vez. De esa manera, puede practicar mucho exactamente lo que necesita para practicar, muy rápidamente.
Pero también puedes cambiarlo de otras maneras. Por ejemplo, puede sacar algunas notas: notas de gracia, notas sobre el ritmo o lo que sea. Puede sonar un poco loco, pero realmente puede ayudar. Una razón es que puede hacer que el marco rítmico sea mucho más fácil de entender; Otra es que puede relajarte un poco y realmente concentrarte en las notas que estás tocando.
O bien, puede insertar pausas, creando notas difíciles para que pueda "aterrizar". Cuando aterrizas en una nota difícil, la sostienes, dándote tiempo para escucharla y sentir el esfuerzo físico de tocar esa nota. Cuando sabes exactamente cómo suena y se siente una determinada nota, tienes un buen control de la misma.
Aquí hay algunos ejemplos de cómo cambiarlo:
Los transpositores expertos, y aquellos que aspiran a serlo, pueden practicar pasajes en diferentes claves. El legendario trompetista de la Sinfónica de Chicago "Bud" Herseth ha sido un gran defensor de esto.
Así que no tengas miedo de
¡Cambialo!
Consejo cinco: ¡Obtén comentarios!
Algunos de nosotros tenemos la tendencia de practicar en una especie de vacío: repasamos las cosas y tal vez escuchamos, pero no usamos la verificación externa tanto como pudimos. Y así no mejoramos tanto como pudimos.
La forma más obvia de verificar lo que estamos haciendo es preguntarle a alguien que sepa. Tu profesor de música es una gran elección como crítico; a veces los compañeros de banda también son una gran opción. (Especialmente a los que les importa más la música que tus sentimientos).
Cada vez más populares como 'críticos' son las grabaciones de audio y video. Escuchar algo del "exterior" puede ayudarnos a ser mejores críticos para nosotros mismos: es sorprendente cuán claramente escuchas cosas sobre tu reproducción en una grabación que no escuchaste en absoluto cuando estabas jugando.
Pero los mejores controles diarios son el metrónomo y el sintonizador. Tocar en un metrónomo le permitirá saber rápidamente si está pasando un buen momento o no. Y el uso de un sintonizador puede hacerle saber si está desafinando más de lo que sospechaba. (Por supuesto, también hay otras opciones a lo largo de esta línea: ahora hay un software de práctica y el teclado viejo y bueno también puede ayudar con la afinación, si lo usa).
La conclusión es que pocos de nosotros somos tan buenos como tendemos a pensar que somos, así que verifique la impresión que le da su oído.
Obtenga comentarios!
Consejo Seis: ¡Dejen ir los errores!
Sé que suena como lo opuesto a lo que acabo de decir, pero el Consejo Cinco se refería a la resolución de problemas, y ahora vamos a hablar más sobre la práctica para la continuidad. Es cierto que cuando resuelve problemas tiene que estar alerta a los errores para poder solucionarlos. Pero cuando está practicando para la continuidad, también debe practicar ignorar los errores.
Esto se debe a que los errores pueden ser una gran distracción en el rendimiento. Tan pronto como piensas, "Vaya, me equivoqué", pierdes tu enfoque en la música que estás tocando. Estás enfocado en ti mismo. Tal vez te estás golpeando: "¿Cómo podría hacer algo así?"
Pero en cualquier caso, no estás pensando en lo que viene después.
¡Peligro! ¡Música volteada por delante!
Entonces, cuando practicas para la continuidad, debes practicar manteniendo tu enfoque en la música en sí y en cómo va. Si te equivocas, sigue jugando. En otras palabras,
¡Deja ir los errores!
Consejo siete: ¡Sigue pensando en la música, incluso si no puedes seguir tocándola!
Pegadizo, pero ¿qué significa esto?
Bueno, si, Dios no lo quiera, realmente cometes un error, lo que no quieres hacer por encima de todo es perder tu lugar. Si dejas de tocar, eso es malo, pero si aún sabes en qué parte de la música puedes volver, puedes saltar directamente. Sin embargo, si estás perdido, es muy probable que ocurran más errores antes de descubrir dónde estás.
Cuando practicas para la continuidad, entonces, quieres construir una fuerte imagen mental de cómo va la pieza, algunos músicos lo han llamado la "línea transversal", y tu habilidad para mantenerte con esa línea a través de las buenas y las malas. . Una forma de hacerlo es dejar de tocar intencionalmente mientras practicas para la continuidad, mientras sigues imaginando el sonido de la música mientras cuentas a través de la parte 'silenciosa'. Por ejemplo, puedes jugar cualquier otra medida, imaginando las medidas entre ellas.
Es un gran ejercicio para
¡Sigue pensando en la música!
Consejo ocho: ¡mantenlo relajado!
Arriba, he escrito como si la práctica de continuidad siempre fuera una mini-performance. ¡Pero no siempre! Es posible que no esté física o mentalmente preparado para atravesar una pieza en particular. En ese caso, es mejor practicar la continuidad por secciones.
Esto es particularmente importante cuando la resistencia física está involucrada. Siempre comenzar desde el principio de una pieza y trabajar hasta el final puede llevar a aprender que el final es sinónimo de fatiga física y tensión. Para vencer esto, intente practicar la pieza por continuidad por secciones, pero comience por el final y trabaje hacia el principio.
Otra variante es incluir 'secciones imaginadas', como se describe en el Consejo Siete. Sin duda hay otras posibilidades. Pero encuentra una manera de
¡Mantenlo relajado!
Consejo Nueve: ¡Mantenga el tempo, o tempos, honesto!
Sé que me estoy repitiendo aquí, ya que ya abogué por usar un metrónomo en el Consejo Cinco, pero parte de la línea de una pieza es mantener el ritmo donde debe estar. Puede ser constante para toda la pieza, en cuyo caso el uso de un metrónomo es fácil, o puede variar mucho. En ese caso, la forma más conveniente de verificar el tempo es usar un software de acompañamiento o una grabación de la música. Pero, sin importar cómo lo haga, es extremadamente importante verificar el tempo a medida que pule una pieza para su interpretación.
¡Mantén el ritmo honesto!
Consejo Diez: ¡Cuida tu cuerpo!
Mantuve el consejo más importante para el final. Hay un par de formas en que se aplica este consejo.
Primero es que tu cuerpo es parte de tu instrumento. (¡Si eres cantante, es todo tu instrumento!) Por lo tanto, para tocar lo mejor posible, también necesitas mantener tu cuerpo. Recuerdo a un trombonista, por ejemplo, que dijo que sus mejores sesiones de práctica siempre comenzaban con una carrera de una milla. La buena nutrición, el descanso y la evitación de un estilo de vida poco saludable no lo convertirán automáticamente en un gran músico, pero pueden darle a su talento y trabajo duro una ventaja competitiva adicional.
En segundo lugar, practicar (o realizar) mal puede ser peligroso para su salud. Las lesiones por estrés repetitivo son un problema real entre los músicos profesionales, y no son inusuales entre estudiantes y aficionados también. Pueden ser dolorosos, caros e incluso terminar su carrera.
Pero la buena noticia es que pueden minimizarse utilizando una buena técnica de juego. (Parece una predicación, pero la técnica de tocar está ideada y se ha desarrollado en parte para ser físicamente viable para los jugadores. Es parte de nuestra herencia de 'sabiduría cultural' como músicos, y la ignoramos bajo nuestro propio riesgo).
También es importante prestar atención al aspecto físico de nuestro juego. Si bien debemos aprender a hacer cosas que pueden no ser físicamente cómodas al principio, cuando experimentamos fatiga excesiva en músculos específicos, dolores persistentes, disminución del rango de movimiento o debilidad muscular, debemos prestar mucha atención y reconsiderar lo que estamos haciendo. antes de sufrir una lesión real.
¡Cuida tu cuerpo!
Resumámoslo:
Consejo uno: ¡Practica por una razón! ( Sepa lo que está tratando de hacer).
Consejo dos: concéntrate, al menos tanto como lo necesites. (Entonces hacerlo.)
Consejo tres: ¡Disminuya la velocidad! ( Ponte en control del tempo).
Consejo cuatro: ¡cámbialo! (Ponga el control de la estructura de la música; no siempre tiene que practicarla exactamente como está en la página. A veces es inteligente "simplificarla").
Consejo cinco: ¡Obtén comentarios! (Asegúrese de hacerlo bien: use el sintonizador, el metrónomo, la computadora, las grabaciones y (por supuesto) los maestros y críticos).
Consejo Seis: ¡Dejen ir los errores! (Nunca será perfecto, pero aún puede ser música hermosa. Déjalo ser real y déjalo pasar).
Consejo siete: ¡Sigue pensando en la música, incluso si no puedes seguir tocándola! (Solo agárrate a la 'línea directa').
Consejo ocho: ¡mantenlo relajado! La música es hermosa cuando fluye, así que no la cuelgues con preocupación y estrés.
Consejo Nueve: ¡Mantenga el tempo, o tempos, honesto! ( Es más difícil hacer esto de lo que piensas, ¡así que verifica tu tempo (s)!)
Consejo Diez: ¡Cuida tu cuerpo! (Es el único que tienes, ¿verdad? La música es buena para ti, pero no si lo haces mal. Y tu cuerpo es bueno para la música, pero no si la usas mal. Así que "¡atención!" Presta atención a cómo se siente tocar o cantar, y arreglarlo, si duele o causa debilidad o tensión.
Ahí lo tienes: diez consejos para ayudarte a mantener tu música divertida y segura, y para que tu tiempo de práctica sea lo más productivo posible.
Espero que trabajen para usted como lo han hecho para mí, y que le brinden tanta satisfacción como a mí. ¡Sobre todo, espero que te ayuden a traer belleza, energía, alegría, emoción e iluminación a un mundo que lo necesita!
